10 edificios inmortalizados en portadas de discos
Edificios emblemáticos de todo el mundo, así como otros anónimos, han aparecido en portadas de discos de artistas de todo tipo, demostrando el interés que la arquitectura despierta en las mentes más inquietas y creativas, ya sean del ámbito que sea. Aquí tienes nuestra selección, que incluye la Casa de la cascada de Frank Lloyd Wright o las torres Century Plaza de Los Ángeles, obra de Minoru Yamakasi o, incluso, edificios ya desaparecidos, como la cárcel de Carabanchel, cuya demolición en 2008 fue criticada por el COAM…
Además de las elegidas, había muchas más portadas que se podían haber incluido. Quizá en otra ocasión…
Las portadas de disco son una de las maneras más directas con las que causar una primera impresión que afecte positivamente a la percepción por parte del público de un músico o banda en particular. Inicialmente, los artistas optaban por poner una foto de ellos mismos, pero en su evolución histórica, la portada se fue convirtiendo en algo más abstracto: una parte crucial de la cultura de la música y una importante expresión artística a partir de la segunda mitad del siglo XX en la que la arquitectura no podía quedarse al margen. Un proceso que ha seguido también el camino inverso: el artista que pretendía simbolizar algo con la elección de un edificio concreto ha terminado, en muchos casos, convirtiendo edificios que no se construyeron con vocación monumental en reclamo turístico.
Además de las elegidas, había muchas más portadas que se podían haber incluido: el Hotel Eastlink (en realidad, una escultura de Callum Morton de tamaño real, situada en la autopista EastLink del estado australiano de Victoria, que el diseñador Antoine Moonen incluyó en un disco de Violent Femmes), el Royal Albert Hall en el que Loreena McKennitt actuó en alguna ocasión, el hotel Beverly Hills de Los Ángeles (el auténtico Hotel California de los Eagles) o el edificio de ladrillo de St. Mark’s Place que Led Zeppelin inmortalizó en su álbum Physical Graffiti… Quizá en otra ocasión…
El edificio Carrión — Luis Martínez-Feduchi y Vicente Eced y Eced
Nacha Pop: Buena disposición (1982)
Pocos edificios hay más icónicos de Madrid que el Carrión, conocido también como edificio Capitol, por el cine que hay en su planta de calle. Encargado por Enrique Carrión y Vecín, marqués de Melín, el edificio, de catorce plantas, fue proyectado por una pareja de jóvenes arquitectos que aún no habían cumplido los treinta años, Luis Martínez-Feduchi y Vicente Eced y Eced. Se construyó entre los años 1931 y 1933 con su característico chaflán que lo emparentaba con el Flatiron neoyorquino. Simbolizó la modernidad del Madrid de la primera mitad del siglo XX y se convirtió en icono de la ciudad en 1972 cuando se instaló en sus plantas superiores el luminoso de Schweppes. El director de cine Álex de la Iglesia lo terminaría de inmortalizar en 1995, en esa famosa secuencia de su película El día de la bestia en la que Santiago Segura queda colgado de la fachada.
Unos años antes, en 1982, el cuarteto Nacha Pop, en esos momentos una de las bandas más destacadas de la Movida madrileña, utilizó la foto del chaflán realizada por Juan Ramón Yuste para ilustrar la portada de su segundo álbum, Buena disposición, en el que figuraban dos de las canciones que todavía hoy figuran entre las más recordadas del pop de los ochenta, Juego sucio y Quiero estar mejor.
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ARQUITECTURA
The Shed: un espectacular centro de arte multidisciplinar
La central eléctrica de Battersea – J. Theo Halliday y Sir Giles Gilbert Scott
Pink Floyd: Animals (1977)
Al contrario de lo que suele suceder en España, que se derriban edificios emblemáticos en cuanto dejan de cumplir la función para la que fueron construidos, en el Reino Unido se tiende a encontrarles nuevos usos. Así sucedió, por ejemplo, con la Tate Modern, situada en el magnífico edificio que fue la central de energía térmica de Bankside. Otra central eléctrica de proporciones colosales (es el edificio más grande de ladrillo en Europa), la de Battersea, ya era uno de los principales símbolos del Londres industrial del siglo XX, antes de su aparición en la portada de Animals, el décimo álbum de la banda británica Pink Floyd que vendió millones de copias en todo el mundo, acrecentando internacionalmente su carisma.
El edificio es un diseño del arquitecto J. Theo Halliday. Con el edificio ya en construcción se incorporó, como «arquitecto de exteriores» el mucho más popular Sir Giles Gilbert Scott, perteneciente a una saga de famosos arquitectos que comenzó con su abuelo, George Gilbert Scott, siguió con su padre George Gilbert Scott junior y sus tíos John Oldrid y Elisabeth, y se prolonga después de su fallecimiento en 1960 con su hijo, Richard Gilbert Scott y nietos y bisnietos.
El gigantesco edificio, característico por sus cuatro chimeneas, consta de dos subestaciones de generación de energía, la A y la B. Se comenzó a construir en 1929 y no se finalizó hasta 1955. La subestación A se completó en 1935 y estuvo operativa hasta 1975. La B se empezó a edificar en 1937 y hubo de aplazar su finalización a causa de la II Guerra Mundial, concluyendo definitivamente en 1955 y permaneciendo en funcionamiento hasta 1983.
Aunque el edificio ha estado abandonado desde entonces, goza de protección arquitectónica (grado II: «más que especial interés») y en 2013 comenzó su proceso de rehabilitación, a cargo de Foster + Partners y Frank Gehry para convertirlo en uno de los centros comerciales más grandes y espectaculares de Londres y está previsto que abra sus puertas en 2021.
La elección de la central eléctrica de carbón como portada de Animals se debe al principal compositor de Pink Floyd en aquellos años, Roger Waters. Publicado después de dos discos de éxito absoluto como The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975) y justo antes de The Wall (1979), Waters estaba iniciando una etapa de conciencia política por los graves conflictos económicos y sociales que atravesaba el Reino Unido desde 1976. Animals es un álbum conceptual que se basa parcialmente en Rebelión en la granja, el libro de George Orwell y muestra una sociedad en la que sus integrantes son vistos como perros depredadores, cerdos despóticos y despiadados y ovejas estúpidas y sumisas. En la crítica al capitalismo que subyace en el álbum, la central representaba el mundo industrializado. La idea de Waters fue desarrollada gráficamente por el equipo de diseño Hipgnosis.
La cárcel de Carabanchel — Vicente Agustí Elguero, José María de la Vega Samper y Luis de la Peña Hickman
Rosendo: Siempre hay una historia… en directo
La Prisión Provincial de Madrid, conocida popularmente como «la cárcel de Carabanchel» ocupaba un solar triangular de 200.000 metros cuadrados en el municipio de Carabanchel Alto, que cuando se comenzó a construir, el 20 de abril de 1940, era un pueblo situado a las afueras de Madrid. Inagurada el 22 de junio de 1944, con capacidad para dos mil reclusos, estuvo en funcionamiento hasta 1998 y diez años después, el 23 de octubre de 2008, comenzó su derribo, pese a que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid había salido en defensa de su conservación, por contar con una tipología arquitectónica singular en España. Los arquitectos fueron Vicente Agustí Elguero, José María de la Vega Samper y Luis de la Peña Hickman, que adoptaron la configuración estrellada surgida en el siglo XIX a partir del Panóptico ideado por Jeremy Bentham en 1791. El desarrollo del panóptico para convertirse en un edificio de galerías dispuestas en forma de estrella se debe al arquitecto John Haviland, que diseñó, alrededor de 1821, la prisión de Cherry Hill en Pensilvania. El complejo tenía unas dimensiones faraónicas: 162.524 metros cuadrados. No sólo era la mayor cárcel de España, sino una de las mayores prisiones de Europa construidas según el modelo de Cherry Hill.
Pocos meses después del cierre de la prisión, el 26 de marzo de 1999, el músico madrileño Rosendo Mercado, vecino de Carabanchel, que desde abril de 1948 se había convertido en un barrio de Madrid, celebró allí, en el patio central de la cárcel, un concierto en directo en el que repasaba buena parte de su trayectoria profesional desde los lejanos tiempos de Leño. Ese disco, Siempre hay una historia… en directo, se iba a convertir, unos meses después, en su primer disco de oro, que en aquella época era un galardón que se concedía por ventas superiores a 50.000 copias de un álbum.
El complejo urbanístico Torres Marina City de Chicago – Bertrand Goldberg
Wilco: Yankee Hotel Foxtrot (2001)
El complejo urbanístico Marina City es un complejo de edificios situado en la orilla norte del río Chicago, en pleno centro la ciudad de Illinois. Está formado por dos grandes torres con forma de mazorca de maíz de 61 plantas y 179 metros de altura, además de un auditorio y un hotel de diez plantas, situados todos sobre una plataforma elevada junto al río. Debajo de la plataforma se encuentra el pequeño puerto deportivo (marina, en inglés) que da nombre al complejo.
El arquitecto encargado de diseñar el complejo fue Bertrand Goldberg, que estableció un modelo urbanístico ampliamente seguido en los Estados Unidos, con sendos aparcamientos para 896 coches en cada una de las dos torres, situados en las diecinueve primeras plantas, y apartamentos de la 21 a la 60. En la planta 20 de cada torre se encuentra el espacio destinado a lavandería común y desde la 61 hay azoteas. Las torres Marina City se comenzaron a construir en 1961 y la obra concluyó, por partes, entre 1964 y 1968.
Convertidas en emblema de la ciudad, Jeff Tweedy, quiso que las torres figuraran en la portada del cuarto álbum de su banda, Wilco, Yankee Hotel Foxtrot, que se publicó en septiembre de 2001. El disco es considerado, casi con unanimidad, su obra maestra, el más experimental y ambicioso de todos los que han grabado en su ya larga trayectoria y, curiosamente, el que más copias ha vendido también en el mundo (en Estados Unidos, 674.000). La popularidad de Wilco ha hecho que a las torres Marina City se las llame las «torres Wilco».
Habitat 67 – Moshe Safdie
Stars: The North (2012)
El arquitecto israelí-canadiense Moshe Safdie tenía 28 años cuando se construyó Habitat 67. Lo había concebido como su proyecto de tesis doctoral, pero gracias al apoyo de su director de tesis, el arquitecto holandés-canadiense Sandy van Ginkel, el proyecto se pudo llevar a cabo convertido en pabellón de la Expo 67 celebrada en la ciudad canadiense de Montreal, que tenía como tema central «El Hombre y su Mundo» y se centraba en la vivienda futura.
Situado junto al río San Lorenzo, en el Muelle Marc-Drouin, es considerado un hito arquitectónico y uno de los edificios más reconocibles y significativos de Montreal y Canadá. Consta de 354 encofrados de hormigón prefabricados idénticos, con los que se crearon un total de 146 viviendas de dimensiones variadas, creadas al emplear entre una y ocho de los encofrados conectados entre sí.
Habitat 67 se convirtió en símbolo de la Expo 67, fue visitada por decenas de miles de visitantes y logró fama mundial tanto para el edificio como para el joven Safdie, que cuenta con decenas de obras en un gran número de países de todo el mundo.
Como símbolo canadiense, el quinteto quebequés de pop alternativo Stars lo empleó como portada de su sexto álbum, The North, aparecido en 2012. Con influencias de grupos como los británicos Prefab Sprout o los australianos The Go-Betweens, su pop sencillo y bien construido no ha logrado el éxito masivo, pero sí es un referente de calidad para paladares exquisitos.
El monumento de Petrova Gora – Vojin Bakić
Unknown Mortal Orchestra: Unknown Mortal Orchestra (2011)
Petrova Gora es un pueblecito croata situado a unos setenta kilómetros al sur de Zagreb, en las proximidades de la frontera con Bosnia Herzegovina. Allí, en Veliki Petrovac, la colina más alta del pueblo, se erigió, en 1981, el Monumento al Levantamiento de la Gente de Kordun y Banovina, conocido popularmente como el «monumento de Petrova Gora».
El Spomenick (monumento, en serbocroata) fue encargado por el presidente yugoslavo Josip Broz Tito al célebre escultor croata Vojin Bakić, y se inauguró oficialmente el 4 de julio de 1982. Conmemora la lucha de los partisanos de la resistencia serbocroata contra las tropas nazis en la II Guerra Mundial, además de rendir homenaje a las víctimas del nazismo y el fascismo. Realizado en hormigón armado y planchas de acero inoxidable, en su interior se alojaba un museo relacionado con la lucha de los partisanos de la región contra los nazis. La implosión de la antigua Yugoslavia provocó que, después de 1991, los monumentos antifascistas comenzaran a ser desatendidos y abandonados. El museo en su interior, de hecho, fue devastado en 1995 y el proceso de abandono y ruina siguió avanzando, arrancándose las planchas de acero inoxidable que lo recubrían, pese a los intentos de diversas organizaciones políticas y culturales y figuró en la exposición Toward a Concrete Utopia: Architecture in Yugoslavia, 1948–1980 [Hacia la utopia en hormigón: la arquitectura en Yugoslavia, 1948-1980] que tuvo lugar en el MoMA de Nueva York entre julio de 2018 y enero de 2019.
Las peculiaridades arquitectónicas del monumento llamarón la atención de Ruban Nielson, líder de la banda neozelandesa de rock psicodélico Unknown Mortal Orchestra, que quiso inmortalizarlo en la portada de su homónimo primer álbum. Nielson, en declaraciones a la revista musical estadounidense Under the Radar, explicó que le gustaba «la idea de este edificio misterioso, que no sabes qué es ni dónde está, pero que surge en el pasado mirando al futuro y ahora está en ruinas. Parecía casar con nuestra música, así que usamos una imagen que parecía una foto turística».
El molino de Mapledurham - Anónimo
Black Sabbath: Black Sabbath (1970)
La banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales de la primera generación de bandas de heavy metal (junto con Led Zeppelin, Deep Purple). En su caso concreto, incluían letras sobre ocultismo, satanismo y terror. Su primer álbum, titulado con su propio nombre, se publicó el viernes 13 de febrero de 1970 (equivalente al martes 13 para los supersticiosos españoles, latinoamericanos y griegos); la atmósfera inquietante comenzaba con las campanas fúnebres del tema con que se abría el álbum, también titulada Black Sabbath, y continuaba con una portada que pretendía resultar atemorizadora: una inquietante figura femenina vestida de negro, ligeramente desenfocada o desvaída, sobre el fondo de una casona tenebrosa.
La «casona tenebrosa», en realidad, no tiene nada de tenebroso, sino, en todo caso, de «histórico»: es el famoso molino de Mapledurham, a orillas del río Támesis, en el condado de Oxfordshire. Un edificio del siglo XV calificado con el grado II de protección arquitectónica («más que especial interés») en el Reino Unido. El molino se amplió en los siglos XVII, XVIII y XIX y actualmente se conserva en estado operativo (de hecho, cuenta desde 2012 con una nueva turbina hidroeléctrica, que produce 83,3 kilovatios; suficientes para dar servicio a 140 hogares).
Prada Marfa – Elmgreen & Dragset (Ronald Rael y Virginia San Fratello)
The Gooch Palms: Marfa Lights (2019)
Prada Marfa no es, en realidad, un edificio: es una instalación artística creada por la pareja de artistas Elmgreen & Dragset, formada por el danés Michael Elmgreen y el noruego Ingar Dragset. Ambos comenzaron a trabajar juntos en 1995 explorando las relaciones entre el arte, la arquitectura y el diseño. Su «escultura» Prada Marfa, inaugurada el 1 de octubre de 2005, es, probablemente, la más famosa de sus creaciones: diseñada para semejar una tienda de la marca de moda italiana Prada, la obra se encuentra en medio del desierto de Trans-Pecos, a un lado de la autopista 90 que atraviesa el estado de Texas de este a oeste, a unos dos kilómetros y medio del pueblo de Valentine y a unos 42 de la ciudad de Marfa, famosa por albergar el museo de arte minimalista creado por Donald Judd en 1979 en unas instalaciones militares abandonadas.
El escaparate de la falsa tienda deja ver todo tipo de artículos, zapatos y bolsos de Prada, proporcionados por la mismísima Miuccia Prada y perteneciente a la colección otoño-invierno de 2005 de la marca italiana. Y aunque la puerta no se abre, la escultura/instalación sí está construida con materiales de construcción reales y de su construcción se encargaron los arquitectos Ronald Rael y Virginia San Fratello.
La obra es todo un reclamo turístico de la zona. El dúo de rock de garaje australiano The Gooch Palms la quiso inmortalizar (ha sido vandalizada –y reparada posteriormente– en varias ocasiones y se encargaba de su cuidado el artista local Boyd Elder, fallecido en octubre de 2018) en la portada del single Marfa Lights de su tercer y último álbum, III, puesto que la banda había anunciado, antes de la crisis del coronavirus, su disolución a partir del concierto de despedida que tenían previsto ofrecer en Wollongong el 31 de mayo de este año…
Torres Century Plaza de Los Ángeles – Minoru Yamasaki
Yes: Going for the One (1977)
El arquitecto estadounidense Minoru Yamasaki siempre será conocido por ser el autor de las Torres Gemelas de Nueva York, inauguradas en 1973 y derribadas en el atentado terrorista del 11/S de 2001. Él había fallecido en 1986, así que se libró del horror de ver la destrucción de la obra por la que fue reconocido internacional y popularmente. Menos ambiciosas que las torres 1 y 2 del World Trade Center son otras dos torres gemelas que construyó en 1975 en Los Ángeles, las Torres Century Plaza, situadas en el pequeño distrito financiero Century City de la megalópolis angelina.
Se trata de dos torres idénticas de 44 pisos y 174 metros de altura, construidas con la misma filosofía y el mismo estilo de las torres que había levantado en Nueva York, pero con forma de prisma triangular y una cubierta exterior de aluminio. En el momento de su construcción era uno de los edificios más visibles y sobresalientes del oeste de Los Ángeles. El pasado mes de febrero salió la noticia de que por primera vez en sus 45 años de vida todas las oficinas de las torres estaban ocupadas por completo.
El grupo británico Yes, una de las bandas fundamentales del rock sinfónico de los años setenta, quiso realizar un cambio drástico con respecto a los diseños de portadas de sus últimos discos y cuando terminó de grabar su octavo álbum, Going for the One, encargó el diseño al estudio Hipgnosis que lo afrontó simbolizando la apertura del grupo al futuro: un hombre desnudo frente a esas torres futuristas.
Fallingwater (la Casa de la cascada) – Frank Lloyd Wright
Puzzle of Light: Sound Sculpture Music For Fallingwater (2000)
La residencia Kaufmann, más conocida como la Casa de la cascada (Fallingwateren inglés) está considerada como la obra maestra del que también es considerado como el mejor arquitecto estadounidense del siglo XX, Frank Lloyd Wright. Construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear Run, en el municipio de Stewart, a unos cien kilómetros al sureste de Pittsburgh, en Pensilvania Declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2019, la Casa de la cascada es un monumento nacional en Estados Unidos y funciona desde 1964 como museo. Desde su apertura al público, la casa recibe una media anual de 160.000 visitantes procedentes de todo el mundo.
La Casa de la cascada se construyó según los principios de la arquitectura orgánica, promovida fundamentalmente por los arquitectos escandinavos de los años treinta del siglo pasado y por el propio Lloyd Wright, y que consiste en integrar en la edificación los factores ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y al propio cliente.
El quinteto de jazz Puzzle of Light, liderado por el multiinstrumentista y escultor de Ohio Michael Bashaw, grabó en directo su álbum Sound Sculpture Music for Fallingwater en la casa, en dos tandas de conciertos celebrados en julio de 1999 y febrero de 2000, que forman parte de las «esculturas sonoras» con que Bashaw define parte de sus composiciones. En esta, en concreto, el sonido del riachuelo sobre el que se asienta la casa forma parte de la grabación.
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